Решения из мировой концертной индустрии, помогающие улучшить мероприятие

Организаторы событий постоянно ищут «новые идеи» — хотя большая часть выразительных приёмов давно придумана в других индустриях. Особенно в концертной. На форуме SOLD OUT сценограф и специалист по концертному свету и сценическому дизайну Давид Мисакян разобрал, какие решения из мировой концертной индустрии можно заимствовать, чтобы улучшить мероприятие, и как делать это профессионально.

 

Концертная индустрия — главный источник технологий для событий

Большинство технологий, которые сегодня используют на мероприятиях, появились не в ивент-индустрии. Их разработали для концертов.

Именно концертный рынок быстрее всего внедряет новые решения в свете, видео и сценографии. Театры исторически стали источником сценического оборудования, но основные технологические новинки появляются именно в концертных шоу.

Сам Давид Мисакян работает в этой среде и много лет занимается концертным светом, видео и сценическим дизайном. В его портфолио — проекты с Полиной Гагариной, Дианой Арбениной, группой «Би-2», Евой Польной, Владимиром Пресняковым и другими артистами. 

Ивент-индустрия фактически заимствует инструменты из концертного мира. Организаторы используют те же световые решения, видеоконтент, сценографию и технические приёмы — только адаптируют их под другие форматы событий.

 

Ничего принципиально нового создать невозможно

Давид Мисакян: «Эта лекция ничему не учит, но может навести на полезные размышления».

Попытка любой ценой придумать «то, чего раньше не было», редко приводит к сильным решениям. Большая часть визуальных и сценических приёмов уже появлялась в искусстве, театре и концертных шоу. Новые проекты обычно перерабатывают существующие идеи и адаптируют их под другую сцену, формат и бюджет.

Эту же мысль формулировал Александр Дюма: «Всё плагиат. Даже Господь Бог сотворил Адама по своему образу и подобию. Новое создать невозможно».

В индустрии сценического дизайна идеи переходят из проекта в проект. Меняются масштаб, технологии и контекст, но базовые художественные приёмы остаются теми же.

«Ивентология» есть в Telegram! Подписывайтесь на наш канал и читайте самый свежий и полезный контент об организации мероприятий от нашей команды.

 

Как художники заимствуют друг у друга

История искусства показывает: заимствование идей — нормальная часть творческого процесса.

Например, Леонардо да Винчи написал «Портрет госпожи Лизы дель Джокондо» в 1503 году. Через несколько лет Рафаэль создал два женских портрета — «Маддалена Дони» и «Немая».

Если сравнить работы, легко заметить общую композицию. Женская фигура развернута в три четверти, руки сложены одинаково, взгляд направлен на зрителя, похожа даже пластика плеч и положение кистей.

Рафаэль явно ориентировался на работу Леонардо. Но в истории искусства это не считают плагиатом. Художник заимствует композицию и развивает её в собственной манере.

Похожим образом работал Пабло Пикассо. Он много раз переосмысливал картину Эдуарда Мане «Завтрак на траве». Композиция оставалась узнаваемой, но стиль, форма фигур и живописная техника менялись.

Такая практика характерна для всей художественной культуры: идеи переходят от одного автора к другому и получают новое развитие.

 

Когда сходство превращается в скандал

В массовой культуре граница между заимствованием и копированием вызывает больше споров.

Один из самых известных примеров — история мультфильма «Король лев». После его выхода зрители начали сравнивать фильм Disney с японским анимационным сериалом «Kimba the White Lion», который появился гораздо раньше.

В обоих проектах совпадают композиции кадров, ракурсы и сцены с животными на скалах. Некоторые эпизоды выглядят почти идентично.

Один из участников работы над фильмом позже рассказывал, что в детстве смотрел этот сериал. А актёр, озвучивавший главного героя, сначала думал, что участвует в ремейке.

По оценке юристов, количество совпадений могло бы стать серьёзным аргументом в суде.

 

Когда идею копируют без смысла

В сценическом дизайне проблема возникает в тот момент, когда команда копирует эффектный визуальный приём, но не понимает, зачем он был нужен в оригинальном шоу.

Один из примеров — тур Канье Уэста Yeezus. Центральным элементом сцены там стала большая гора. Артист выступал на её вершине, а сама конструкция в разные моменты шоу раскалывалась и трансформировалась.

Это решение было частью общей концепции. Тур строился вокруг религиозной символики, апокалиптических образов и визуальных мотивов фильма «Священная гора» 1972 года. Гора на сцене поддерживала драматургию шоу.

Иногда подобные решения пытаются повторить в других проектах. Конструкция остаётся той же, но смысл исчезает. Сценография превращается в декоративный эффект, который никак не связан с музыкой, драматургией концерта или образом артиста.

 

Референсы могут создать ложные ожидания

При подготовке сценографии команды часто собирают референсы — фотографии чужих концертов, спектаклей и шоу. Они помогают объяснить заказчику атмосферу будущего проекта.

Но у этого подхода есть проблема. Человек, который смотрит на картинку, не видит условий, в которых она была создана: масштаба площадки, бюджета, техники и количества людей, задействованных в производстве.

В результате у заказчика появляется ожидание, что на его событии получится такая же сцена.

Типичная ситуация: заказчик видит фотографию масштабного шоу мирового артиста и начинает ждать такой же результат. При этом проект проходит в небольшом зале, с другим бюджетом и техническими возможностями.

Картинка превращается из ориентира в прямое требование. Команда оказывается в ситуации, когда от неё ждут точного повторения чужого проекта.

Та же логика работает и в концертной индустрии.

Например, в туре Witness Кэти Перри артистка выступала на огромной сценической конструкции в форме руки. Певица стояла на ладони, а сама декорация становилась центральным элементом сцены.

Похожий визуальный приём позже появляется в концерте Димы Билана. Артист выходит на сцену среди гигантских рук, которые формируют пространство сцены и работают как основной сценический объект.

Композиция и масштаб сцены отличаются, но идея остаётся узнаваемой: артист находится внутри огромной скульптурной формы, которая становится главным визуальным элементом шоу.

Похожая ситуация встречается и в световой сценографии.

В концерте Димы Билана артист поднимается внутри многоуровневой конструкции из световых колец. Похожая круговая световая система использовалась в концерте Mylène Farmer в 2019 году.

 

Экран или свет: сцене нужен один центр

В сценическом дизайне важно определить главный элемент композиции. Сцена не может одновременно строиться вокруг большого видеоконтента и сложной световой архитектуры — один из элементов всегда становится доминирующим.

Если основным инструментом становится большой LED-экран, именно он формирует пространство сцены. Видео создаёт среду, атмосферу и визуальный ритм. В таком случае свет выполняет вспомогательную роль: подчёркивает моменты шоу, поддерживает драматургию и работает с артистом.

Если экрана нет или он играет второстепенную роль, сценографию начинает формировать свет. Световые приборы, лучи и динамика света создают объём сцены, задают глубину пространства и формируют визуальную структуру концерта.

При проектировании сцены важно заранее решить, что станет главным инструментом — экран или свет. Когда оба элемента пытаются выполнять одну и ту же функцию, сцена теряет визуальную логику и превращается в набор несвязанных эффектов.

«Ивентология» есть в Telegram! Подписывайтесь на наш канал и читайте самый свежий и полезный контент об организации мероприятий от нашей команды.

 

Видеоконтент и сценография должны работать как единая система

Когда на сцене появляется видеоконтент, он становится частью сценографии. Экран перестаёт быть просто поверхностью для картинок — он начинает формировать пространство сцены.

Поэтому видеографика, свет и сценические конструкции должны работать как единая система. Если каждый элемент существует отдельно, сцена распадается на несвязанные слои: отдельно видео, отдельно свет, отдельно декорация.

В концертных шоу это решают через общую визуальную логику. Видео задаёт среду и атмосферу, свет усиливает объём и акценты, сценические элементы поддерживают композицию сцены.

Когда эти элементы работают синхронно, зритель воспринимает сцену как цельное пространство.

 

Иллюзия объёма на плоском экране

Плоский LED-экран может создавать ощущение глубины и архитектуры сцены. Для этого не нужны тяжёлые декорации или сложная механика. Достаточно графики, которая работает с перспективой, светотенью и движением изображения. 

В концертных шоу этот приём используют постоянно. Экран остаётся плоским, но зритель видит тоннели, арки или уводящие в глубину конструкции. Пространство возникает за счёт изображения.

Например, в концертах Foo Fighters видеоконтент создаёт эффект длинного тоннеля. Графика уходит в перспективу и визуально «протягивает» сцену вглубь, хотя физически перед зрителем стоит обычная плоская видеостена.

Похожий принцип используют Chemical Brothers. В их шоу графика формирует сложные визуальные конструкции, которые выглядят как трёхмерные объекты. 

Иногда экран усиливают физическими элементами. В отдельных постановках добавляют надувные декорации или сценические объекты, которые продолжают графику и усиливают эффект глубины. Такое можно увидеть и в крупных турах поп-артистов — например, у Beyoncé.

 

Сценические скульптуры как центр шоу

Ещё один рабочий приём из концертной индустрии — крупный сценический объект, вокруг которого строится вся композиция. Это может быть надувная фигура, жёсткая скульптура или большая декоративная форма, которая сразу задаёт масштаб сцены и собирает на себе внимание зала.

Объект решает сразу несколько задач. 

Во-первых, он создаёт визуальный центр сцены. Зритель сразу понимает, куда смотреть. 

Во-вторых, вокруг него проще выстраивать свет, видео и движение артиста. Сценография получает опорную точку, а шоу — более внятную композицию.

Этот приём хорошо работает и без сложной механики. Масштабная скульптура уже сама по себе даёт сцене объём, характер и узнаваемый образ. 

Поэтому в концертах всё чаще используют именно такие формы: большую руку, голову, облако, фигуру или другой объект, который держит на себе весь визуальный замысел.

 

Заимствование — часть профессиональной работы

Сценография развивается через обмен идеями. Визуальные решения переходят из проекта в проект, меняют масштаб, технологии и контекст, но сохраняют основу.

«Ивентология» есть в Telegram! Подписывайтесь на наш канал и читайте самый свежий и полезный контент об организации мероприятий от нашей команды.

В концертной индустрии это происходит постоянно. Команды изучают чужие шоу, анализируют сценические решения и ищут способы применить похожие приёмы в своём проекте, чтобы улучшить мероприятие.

Поэтому задача сценографа — не пытаться придумать то, чего никогда не существовало. Гораздо важнее понять, почему конкретное решение работает, и адаптировать его под другую площадку, формат и бюджет.